JOY DIVISION, pioneros del sonido gotico

Joy Division fue una banda de post-punk inglesa, formada en 1976 en Salford, Greater Manchester. Originalmente llamada Warsaw, la banda estuvo formada por Ian Curtis (voz y en ocasiones guitarra), Bernard Sumner (guitarra y teclados), Peter Hook (bajo y coros) y Stephen Morris (batería y percusión).

Joy Division rápidamente evolucionó de sus influencias punk rock iniciales, (de acuerdo con el crítico musical Jon Savage "no era punk pero estaba directamente inspirada por su energía") para posteriormente desarrollar un sonido y un estilo que fue pionero del movimiento post-punk, del dark y el rock gótico pues no solo poseían un sonido siniestro; sino que sus letras estaban obsesionadas con la desesperación y la muerte, productos de la epilepsia que padecía su vocalista Ian Curtis.

Su EP debut, An Ideal for Living, atrajo la atención de Tony Wilson, una personalidad de la televisión de Manchester. El álbum debut de Joy Division, Unknown Pleasures, fue lanzado en sello discográfico de Wilson, Factory Records, y provocó la aclamación de la crítica británica. A pesar del creciente éxito de la banda, el vocalista Ian Curtis fue afectado por la depresión y por problemas personales, incluyendo la disolución de su matrimonio y sus agudas crisis de epilepsia. Curtis encontraba cada vez más difícil presentarse en vivo, y a menudo tenía convulsiones durante sus espectáculos.

En mayo de 1980, en la víspera de la primera gira de la banda en Estados Unidos, Ian Curtis abrumado por su depresión, se suicidó ahorcándose en su cocina. Joy Division lanzó póstumamente su segundo álbum, Closer (1980), y el sencillo "Love Will Tear Us Apart" se convirtió en su lanzamiento más exitoso en los rankings. Después de la muerte de Curtis, los miembros restantes de la banda formaron New Order.

Joy Division estaba compuesto inicialmente por Ian Curtis (guitarra y voz), Bernard Sumner (guitarra y teclado), Peter Hook (bajo) y Terry Mason (batería). Tras el alejamiento de Terry Mason en mayo de 1977, Tony Tabac lo reemplazó fugazmente hasta junio de 1977 y Steve Brotherdale, también de manera provisional, hasta agosto de 1977. Finalmente Stephen Morris se convirtió en el baterista definitivo, en agosto de 1977.

Historia

1976
Inspirados por la presentación de los Sex Pistols en el Manchester Lesser Free Trade Hall, el 20 de julio de 1976, Bernard Sumner (también conocido como Bernard Dicken, Bernard Albrecht y Bernard Albrecht-Dicken) y Peter Hook formaron un grupo junto a su amigo Terry Mason. Sumner compró una guitarra, Hook compró un bajo y Mason un equipo de batería. El grupo puso un anuncio en una tienda de discos de Manchester, reclutando así a Maxi Koch y a Joakin Hail, quienes grababan las voces, y a Ian Curtis como cantante. Curtis conocía a Sumner, Hook y Mason de presentaciones previas, ya que también estuvo esa noche en el público del concierto de los Sex Pistols junto a su esposa, Deborah. Richard Boon y Pete Shelley, respectivos manager y guitarrista del grupo punk Buzzcocks, sugirieron el nombre Stiff Kittens para el grupo. Aunque el nombre «Stiff Kittens» apareció en algunos panfletos de presentaciones, al grupo nunca le agradó ni lo aceptó oficialmente.

1977

Debido a que carecía de confianza en sus capacidades como batería, Mason abandonó el grupo el día anterior a la primera presentación en el Electric Circus, para transformarse en el representante del grupo. Para la ocasión, fue reemplazado por Tony Tabac. Momentos antes de aquella presentación junto a Buzzcocks y a Penetration, el 29 de mayo de 1977, el grupo cambió su nombre a Warsaw, en homenaje a la canción de David Bowie y Brian Eno Warszawa. Cinco semanas después, tras seis presentaciones, Tabac fue reemplazado por el baterísta del grupo punk Panik, Steve Brotherdale. Grabaron The Warsaw Demo el 18 de julio de 1977, cinta que contenía cinco crudas canciones de punk.
Después del demo, Brotherdale fue despedido de una extraña manera: mientras todo el grupo iba en una camioneta, le pidieron que bajara a revisar los neumáticos de las llantas porque se sentían bajas. Al bajar a revisar, el coche aceleró y se fue sin él. Stephen Morris fue contratado como reemplazante de Brotherdale, tras ver un anuncio en la ventana de una tienda de música. Fue contratado en primera instancia puesto que Curtis recordaba haber asistido al mismo colegio que Morris. Curtis era dos años mayor que Morris. En comparación con los baterías anteriores, Morris encajó bien con los tres miembros restantes.
A comienzos de 1978, para evitar la confusión con el grupo de punk de Londres Warsaw Pakt, Warsaw cambió su nombre a Joy Division. Este nombre, que contrasta con su verdadera traducción de "División Alegría", hace referencia al grupo de mujeres judías usadas como esclavas sexuales en los campos de concentración nazis, representadas en la novela "La casa de las muñecas" de 1955 de Ka-Tzetnik 135633. Aunque la elección del nombre fue de una manera más reflexiva, que una forma de luchar contra los tabúes, esta elección, junto con la adopción por parte de Sumner del apellido Albrecht acumularon en el grupo una serie de críticas de perceptible insensibilidad. Incluso fueron perseguidos por acusaciones de neonazismo, acusaciones que negaron vigorosamente.
La música y el género musical del grupo se empezó a definir por este periodo. Las sesiones grabadas en diciembre de 1977 comenzaron a sonar de manera considerablemente distinta al sonido producido en The Warsaw Demo.

1978

El primer show de Joy Division fue en el Pip's, Manchester, el 24 de enero del 78. El tres y cuatro de mayo de ese año grabaron para el sello RCA el material de su primer disco. Sin embargo, el productor John Anderson, creyendo que el punk no duraría mucho y sin el consentimiento de los músicos llenó la grabación de sintetizadores en la mezcla final. La banda estuvo completamente en desacuerdo con esto y el disco nunca fue editado -aunque se convertiría en uno de los bootlegs más conocidos del grupo. Poco después Rob Gretton reemplazó a Terry Mason como manager. Sobre el sonido de la banda Bernard Sumner dice: «Joy Division tenía una fórmula pero nunca trabajábamos de forma premeditada. Salía naturalmente. Yo era el ritmo y los acordes, y Hooky la melodía. Solía tocar su bajo a un volumen alto porque me gustaba distorsionar la guitarra y el amplificador que usaba solo funcionaba al máximo volumen. Cuando Hooky tocaba a un volumen bajo, no se escuchaba. Steve tenía su propio estilo, diferente al de otros bateristas. Para mi, el baterista es el reloj de la banda porque es pasivo: el podía seguir el ritmo de la banda, marcando nuestro propio límite. En vivo, nos manejábamos visualmente viendo a Ian bailar». En cuanto a las letras agrega que «todo el mundo dice que nuestras letras son oscuras y pesadas. Con bastante frecuencia me preguntan por qué. La única respuesta que puedo dar es mi respuesta. El lugar donde vivía de chico, donde tengo mis recuerdos más felices, desapareció. Todo lo que queda es una vieja planta química. Me dí cuenta de que nunca iba a poder volver atrás, recuperar esa felicidad. Entonces está este vacío. Para mi Joy Division era acerca de la muerte de mi comunidad y de mi infancia. Era completamente irrecuperable».
Tony Wilson funda el sello discográfico Factory que el 18 de mayo firma un contrato con Joy Division, el cual Wilson rellenó con su propia sangre. El 9 de junio Joy Division tocó junto con otras bandas en la apertura del club The Factory de Tony Wilson. El artista Peter Saville diseñó el póster del evento que fue conocido como FAC 1!! El 27 de diciembre hicieron su primera actuación en Londres, en el Hope And Anchor de Islington frente a alrededor de 30 personas. Este fue, además, el primer concierto por el que cobraron entrada

.

1979

El 14 de febrero de 1979 Joy Division toco en la BBC, donde grabaron varios temas para el conocido programa de John Peel -posteriormente sería conocido (y editado) como The 1st Peel Session. Esto les dio bastante publicidad y en marzo de ese mismo año tocaron como teloneros de The Cure en el Marquee de Londres. En abril de 1979 graban Unknown Pleasures, la producción fue de Martin Hannett y el diseño de la portada lo realizó Peter Saville. Ambos continuarían trabajando con Joy Division y, posteriormente, con New Order. El disco tuvo muy buenas críticas y vendió bien. A pesar del éxito y las ofertas de sellos grandes, Joy Division decidió quedarse en Factory para poder tener control sobre su música. En noviembre de 1979 la Warner Bros. americana les ofreció un millón de dólares para distribuir su disco en Estados Unidos y hacer algunos videos. Nunca respondieron. Su actitud sería similar cuando en mayo de 1980 se repitió la oferta en términos más favorables para la banda.
El 31 de agosto de 1979 reunieron a 1200 personas en el Electric Ballroom, Londres. La mayor audiencia que tuvo la banda. El 15 de septiembre aparecieron en la televisión en el programa Something Else de la BBC -antes habían aparecido un par de veces en Granada TV-. Los violentos movimientos del cantante durante Transmission y She's lost Control impresionaron a la audiencia. Pronto llamarían la atención por otras razones. Curtis sufría de epilepsia y con frecuencia tenía convulsiones, espasmos y hasta pérdida del conocimiento. El 26 de noviembre grabaron por segunda vez con John Peel -The 2nd Peel Session-. Una de las canciones era Love will tear us apart que pronto se convirtió en un clásico de la banda y una de las más conocidas canciones «no grabadas» de Inglaterra: hasta el 10 de abril de 1980 en que fue editada como single, solo era posible oírla en los conciertos.
En diciembre iniciaron una breve gira por Europa que se prolongó hasta enero y durante el cual terminó el affaire de Ian con Annick Honore que había empezado un par de meses antes. De esta gira es famoso el concierto en el club Paradiso de Amsterdam. No sólo porque en el tocaron dos sets consecutivos con un total de 17 canciones, sino también por ser otro de los bootlegs más famosos de la banda. En marzo de 1980 la revista Sordide Sentimental editó un disco de siete pulgadas llamado Licht Und Blindheit, del que se editaron 1.578 discos numerados sin silencios entre las canciones. Fue una producción de Martin Hannett que incluía las canciones «Dead Souls» y «Atmosphere», que Joy Division había grabado en octubre del año anterior.

1980
En marzo grabaron el material de su segundo disco, Closer y el sencillo "Love Will Tear Us Apart". El tratamiento médico de Curtis no ayudaba y su condición general parecía agravarse a medida que la agenda de la banda aumentaba. Sus ataques continuaban, incluso en escena. Durante un concierto como teloneros de los Stranglers perdió el control de sí mismo y derribó la batería. Tres días después intentó suicidarse con una sobredosis de fenobarbital. La noche siguiente debió ser reemplazado en el concierto del Derby Hall, Bury. La gente, que esperaba a Curtis, comenzó un verdadero caos donde no faltaron golpes y botellas volando. Curtis vio todo entre bastidores y no pudo dejar de sentirse responsable.
El dos de mayo Joy Division dio su último concierto en Birmingham. Este concierto, la única vez que tocaron Ceremony, aparecería luego en el disco doble Still. Dos semanas después, iban a partir a Estados Unidos para hacer su primer tour en ese país.
En la mañana del domingo 18 de mayo de 1980 Curtis estaba viendo el filme Stroszek, al terminar el filme puso el disco The Idiot, de Iggy Pop y tras escribir una nota a su esposa se ahorcó en la cocina de su casa, con una cuerda de tender la ropa. Dos meses después Love Will Tear Us Apart alcanzó el Top 20 de los charts británicos mientras que Closer llegó al Top 10. Cuando parecía que eso era todo y que la carrera de la banda estaba terminada; Sumner, Hook y Morris formaron New Order. El grupo continuaría el camino de Joy Division, incorporando otros ritmos, ampliando su horizonte de experimentación pero manteniendo siempre su independencia y calidad. No puede negarse la influencia de Curtis en este cambio de dirección. «Ian solía hacernos escuchar los álbumes de Kraftwerk diciendo 'escuchad esto, es algo nuevo, algo fantástico'. Tal vez él sabía y nos estaba mostrando el camino», recordó Sumner en una entrevista de Paul Morley.

Estilo musical

A Joy Division les tomó tiempo desarrollar su propio sonido. Como Warsaw, la banda practicaba una "forma inclasificable de hard rock con toques punk". El crítico Simon Reynolds aseguraba que "la originalidad de Joy Division se ponía de manifiesto cuando las canciones se volvían más lentas". La música del grupo adoptó un tono "desparramado"; según Reynolds "el bajo de Peter Hook llevaba la melodía, la guitarra de Bernard Sumner rellenaba los huecos del sonido a base de densos riffs y la batería de Stephen Morris parecía rodear el borde de un cráter". Sumner describió el sonido característico de la banda en 1994: "Salió de forma natural, yo más con el ritmo y Hooky más con la melodía. Él solía tocar fuerte el bajo porque a mi me gustaba el sonido distorsionado de la guitarra, y el amplificador que yo tenía sólo funcionaba con el volumen a tope. Cuando Hooky tocaba suave no podía oírse a sí mismo. Steve tiene su propio estilo de tocar, es diferente a otros baterías". Con el tiempo, Ian Curtis empezó a cantar con voz suave de barítono, a menudo comparable a la de Jim Morrison de The Doors, una de las bandas preferidas de Curtis.
Sumner ejercía como jefe musical no oficial de la banda, como después en New Order. Mientras que Sumner era el guitarrista principal, Curtis sólo tocó la guitarra en unas pocas grabaciones y conciertos. Curtis odiaba tocarla, pero los otros insistían en que lo hiciera. Sumner dijo:"tocaba de una forma estrambótica pero era lo que nos gustaba, porque nadie más que Ian tocaba de aquella manera". Durante la grabación de Closer , Sumner empezó a utilizar sintetizadores hechos por él mismo y Hook usaba un bajo de seis cuerdas para reforzar la melodía.
El productor Martin Hannett se "dedicó a capturar e intensificar el halo tétrico de Joy Division". Hannett creía que el punk rock era sonoramente conservador por su rechazo a utilizar tecnologías de estudio para crear espacio sonoro. El productor se propuso crear un sonido más desarrollado para los discos del grupo. Hannett decía : "(Joy Division) Eran un regalo para un productor, porque no seguían directrices, ni argumentos". Hannett separó y limpió desde su mesa los sonidos de los diferentes instrumentos, incluso las distintas partes de la batería de Morris.

Legado

A pesar de su corta carrera y su estatus de "grupo de culto", Joy Division han ejercido una influencia de largo alcance. John Bush de Allmusic dice que Joy Division "se convirtieron en la primera banda del movimiento post-punk en enfatizar no la cólera y la energía, sino el estado de ánimo y la palabra, dando pie al advenimiento de la melancólica música alternativa de los 80".
El oscuro y tenebroso sonido del grupo, que Martin Hannett describió en 1979 como "música de baile con sobretonos góticos", presagiaba el nombre del género gothic rock. Mientras en la música de finales de los 70 el término "gothic" describía originalmente una "atmósfera opresiva", el término fue pronto aplicado a grupos específicos como Bauhaus que siguieron mal que bien la estela de Joy Division. Generalmente éste tipo de bandas adoptaron "líneas de bajo potentes que tomaban un papel importante en la melodía" y "voces propias de la ópera, teutónicas y profundas al imitar a Jim Morrison ó Ian Curtis".
La evolución musical de Joy Division durante los pocos años que duró la banda, aunque paralela a la de otros grupos contemporáneos (The Fall, Magazine, etc.) es clave para entender lo que sucedería durante los años ochenta. Pasaron del punk al post-punk y, ya en Closer a un proto-tecno que podemos reconocer luego en bandas como Depeche Mode, Human League, y otras. La segunda mitad de "Decades", el último tema de "Closer", entierra definitivamente toda relación con el punk y anticipa el sonido de New Order.
Joy Division ha influido tanto a bandas coetáneas como U2 y The Cure, como a artistas actuales: Interpol, Bloc Party y Editors. Bono, el cantante de U2 ha dejado claro que su grupo siente veneración por Joy Division. En su autobiografía de 2006, U2 by U2 cuenta que " sería difícil encontrar un lugar más oscuro en la música que el de Joy Division. Su nombre, sus letras y su cantante fueron como la nube más negra que puedas encontrar en el cielo. Percibí esa búsqueda de un Dios, ó luz, ó una razón de ser. Notas que para él la belleza era verdad y la verdad, belleza y lo suyo era buscar ambas". Artistas como Moby ó John Frusciante de Red Hot Chilli Peppers han declarado su estima por la música de Joy Division y la influencia que ha tenido en su trabajo. En 2005, Joy Division fueron incluidos junto con New Order en el UK Music Hall of Fame.

AÑOS 80, EL DECLIVE DE LA MUSICA DISCO

La música disco toma sus raíces del soul de finales de los años 1960, y en ese proceso de evolución toman parte un importante número de artistas del género, que van aportando paulatinamente los elementos que acabarán definiendo la música disco.

Si hubiese que identificar cada música con un lugar, el fortín de la música disco sería, sin duda, la célebre discoteca neoyorquina "Studio 54" donde los djs, con la finalidad de prolongar la diversión, y utilizando para ello dos platos con una misma canción, lograron extender considerablemente la duración de los temas de éxito. Eso dio como resultado las versiones de 12 pulgadas, donde se invitaba a bailar, y moverse disfrutando de la música, según el término definitorio del momento: Boogie.

A partir de 1975, un gran número de artistas que nunca antes habían tocado el género, comienzan a grabar canciones disco, en muchos casos por imposición de las discográficas, buscando un hit. Ejemplos notables de esto, fueron temas como Got to give it up (Marvin Gaye, 1977);You Make Me Feel Like Dancing (Leo Sayer, 1977); Miss You Rolling Stones, 1978;"I was made for lovin' you" (KISS, 1979);Copacabana (Barry Manilow, 1978); I'm every woman (Chaka Khan, 1978); Silly love song (Wings, 1976); Boogie Nights (Heatwave 1978); Do You Think I'm Sexy? (Rod Stewart, 1979); Last train to London (Electric Light Orchestra, 1979); 1979) o los éxitos de Michael Jackson, Don't Stop 'til You Get Enough y Off the Wall (1979). La publicación de la Banda sonora de la película Fiebre del sábado noche (1977), uno de los álbumes más vendidos de la historia de la música popular, catapultó a los Bee Gees, nuevamente, al n.º1 de las listas de éxitos de todo el mundo, con ocho sencillos diferentes, entre los que destacan Stayin' alive, Night Fever y If I can't have you, convirtiéndose de esta forma en los reyes del disco.

La popularidad de Fiebre del Sábado Noche, llevó a las grandes discográficas a inundar el mercado de productos disco hechos de forma mecánica y homogeneizada para cubrir la demanda creciente de la audiencia. El adocenamiento de estos productos y la aparición de alternativas de baile evolucionadas (Dance, Techno...), crearon un sentimiento antidisco cada vez más perceptible. Las emisoras de radio comenzaron a abandonar la música disco, sobre todo a partir de 1980. La emergencia de escenas alternativas, tanto en el rock (Punk, New wave...) como en la música R&B (Rap, Hip hop...) también contribuyeron al declive del género.
El 12 de julio de 1979, tuvo lugar una acción antidisco en Chicago, impulsada por diversos DJs de emisoras de rock, como Steve Dahl, Gerry Meier o Michael Veeck, y que adoptó formato de evento, bajo el nombre de Disco Demolition Night. El asunto incluyó la quema de discos y acabó con un fuerte enfrentamiento con la policía, y numerosos arrestados. Este conflicto, influyó seriamente en el cambio de paisaje sonoro en los charts. No obstante, aún continúa habiendo algunos éxitos disco a comienzo de los ochenta, aunque con un estilo evolucionado y simplificado: Lipp's Inc. (Funkytown, 1980); Kool & The Gang (Celebration, 1980); The Weather Girls (It's raining men, 1982); The Pointer Sisters (I'm so excited, 1982); Michael Jackson (Thriller y Billie Jean, 1982); Queen (Body Language, 1982); The Mary Jane Girls (In My House, 1983); Prince (1999, 1983); Irene Cara (Flashdance, 1983); o Madonna (Lucky Star, 1983) , Baltimora (Tarzan Boy, 1984) y Gloria Estefan (Conga, 1985).

Del sonido disco al sonido house
La transición entre la música disco de los 70 y el Dance de los 80, se produce básicamente en los estudios de grabación. Según afirmaciones de Gloria Gaynor, el cambio se origina debido a que los productores comienzan a tener sobre-costos en sus ediciones. Así que se sustituyen las secciones de cuerdas y viento, y el amplio plantel de músicos de sesión por sofisticados secuenciadores y cajas de ritmos. De este modo nacen estilos primigenios del Dance como el Hi-NRG y el electro.
Paralelamente el género, ya decadente, asimila variadas influencias del jazz y el blues, generando nuevas vías de desarrollo (Acid Jazz, Groove) que inundan las discotecas de USA y Reino Unido entre 1980 y 1983. Entre los primeros ejemplos de Dance ya reconocible, encontramos a D.Train, Kashif o Patrice Rushen

El single Planet Rock de Afrika Bambaataa (1982), producido por Arthur Baker, marca el giro definitivo del disco hacia el hip-hop y el techno, fuertemente influenciado, entre otros, por Kraftwerk y su Trans Europa Express. El nombre del estilo fue electro funk.

Serían finalmente productores, como el propio Giorgio Moroder en Europa, y Larry Levan o Frankie Knuckles en USA, quienes, jugando con loops y bajos poderosos, impulsarían el house, vinculado a clubs como el Paradise Garage (Nueva York) o el Warehouse, en Chicago.

La aparición de algunos discos de artistas renombrados, a mediados de los noventa, que incorporaban elementos claramente disco, originó un breve resurgir del género en la década de los 90.



Tambien puedes ver la entrada: LA MUSICA DISCO EN EUROPA - ITALO DISCO

UN GENERO DE MUSICA ELECTRONICA DE BAILE, EL Hi-NRG (High-Energy)

Hi-NRG (High-Energy) es un género de música electrónica de baile que apareció en Reino Unido directamente influido por la música disco y el pop de finales de los años 1970. El género tiene un tempo rápido (algo poco habitual en el disco) sonidos electrónicos marcados y simplificados con reminiscencias del primer synth rock. Al mismo tiempo, comparte con otros subgéneros de música electrónica de baile la composición con patrones four to the floor y escasas vocales.
El género conoció una moderada popularidad mainstream en Europa, a pesar de ser un emblema de las comunidades LGBT británicas y estadounidenses durante los años 1983-85. Hacia finales de los años 1980, el hi-NRG (junto con el funk) también sirvió de base para la explisión de la música house (especialmente en sus formas diva y acid).

En 1977, Donna Summer fue entrevistada en relación a su sencillo "I Feel Love", un tema mayoritariamente electrónico que tenía un tiempo bastante más acelerado que el habitual para una canción de música disco y un reconocible componente funk. En la entrevista, respondío que "esta canción se convirtió en un hit porque tiene una vibración high-energy". A partir de esta entrevista, la descripción "high-energy" [en inglés, "alta energía") comenzó a aplicarse cada vez más a un tipo de música disco de tempo rápido, especialmente a las canciones dominadas por timbres electrónicos. El umbral del tempo para un tema de high-energy disco estaba entre 130 y 140 BPM. En los años 1980, el término "high-energy" quedó estilizado en la abreviatura "Hi-NRG" (que en inglés se pronuncia fonéticamente el original). Artistas de eurobeat, dance-pop y freestyle como Shannon, Stock Aitken Waterman, Taylor Dayne, Freeez o Michael Sembello también fueron catalogados como "Hi-NRG" cuando publicaban en Estados Unidos.

En los ochentas "Hi-NRG" hacía referencia no solo a música de baile de tempo rápido, sino también a un género específico. El Hi-NRG se caracteriza por un sonido de sintetizador energético, staccato, con líneas de bajo por octavas,4 o bajos que en ocasiones toma el lugar del hi-hat, alternando una nota resonante con otra atenuada para remarcar el tempo del disco. También suele utilizarse de modo frecuente el sonido del clap habitual en una caja de ritmos.

Ian Levine, DJ y productor pionero del Hi-NRG en el Reino Unido, definía el Hi-NRG como "música de baile melódica y directa que no es demasiado funky."

Entre 1979 y 1987, un tipo de música disco de tempo rápido no encuadrada en ningún género musical fue especialmente popular entre las comunidades LGBT de ciudades costeras de Estados Unidos como Nueva York y San Francisco. En particular, el productor y DJ Patrick Cowley ayudó a popularizar este tipo de música en el club The EndUp en San Francisco. Ejemplos de grupos del primer hi-energy disco de los 1980 incluyen a Claudja Barry, Miquel Brown, Amanda Lear, France Joli, Sylvester James, Divine y The Weather Girls.
Durante el mismo período, una forma de Hi-NRG se hizo popular en Canadá y Europa. Los grupos más populares del estilo eran Trans-X y Lime. Este género estaba muy relacionado con el space disco. Entre sus exponentes estaban Koto, Laser dance y Cerrone. El sonido Hi-NRG también influenció al techno y el house.

En 1983, la revista musical británica Record Mirror comenzó a publicar una lista de Hi-NRG semanal. El Hi-NRG entró en el mainstream con varios hits que entraron en las listas de éxitos de pop y música de baile de Reino Unido y Estados Unidos, entre los que figuran "Searchin' (I Gotta Find a Man)" de Hazell Dean y "High Energy" de Evelyn Thomas. Hacia mediados de los años 1980, los productores de Hi-NRG cuyos éxitos llegaban a las listas de éxitos incluían a Ian Levine y el trío Stock Aitken Waterman, trabajando ambos con multitud de artistas. Stock Aitken Waterman logró dos de los sencillos de más éxito del género con sus producciones "You Spin Me Round (Like a Record)" para el grupo Dead or Alive y "Venus" de Bananarama. También lograron completar el círculo del género, por así decirlo, al componer y producir el tema de Donna Summer de 1989 "This Time I Know It's For Real".

La revista musical estadounidense Dance Music Report publicó charts de Hi-NRG y noticias de esta industria musical desde mediados hasta finales de los 1980, cuando el género comenzó su decaída. En 1990, la música house y el eurodance habían superado al Hi-NRG en popularidad en la mayor parte de las discotecas. A pesar de esto, el Hi-NRG no ha dejado de producirse desde entonces en diferentes formatos, incluyendo nuevas versiones remezcladas de éxitos del pop. Hacia finales de los 1990, nació el Nu-NRG. Se trata de una fusión entre el Hi-NRG y el trance.

U2, UNA DE LAS MEJORES BANDAS DEL MUNDO

U2 es una banda de rock originaria de Dublín, Irlanda. Formada en 1976, U2 es una de las bandas más populares del mundo desde mediados de la década de 1980. Ha vendido más de 195 millones de discos alrededor del mundo, tiene seis álbumes que han llegado al número 1 en la lista de éxitos en los Estados Unidos y otros nueve en el Reino Unido. U2 es uno de los grupos con mayor éxito de todos los tiempos. Han sido galardonados con 22 premios Grammy, la cifra más alta para una banda o artista de rock.

La banda se formó cuando Bono (vocalista y guitarrista), The Edge (guitarrista, teclado y vocalista) y Adam Clayton (bajo) respondieron a un anuncio puesto por Larry Mullen Jr. (batería y percusión). En aquel momento, los miembros de la banda eran adolescentes con un limitado conocimiento musical. A mediados de los años 80, sin embargo, ya habían lanzado cuatro discos y tenían repercusión internacional, debido en gran parte a sus grandes giras y como consecuencia del sonido particular basado en la guitarra de The Edge y en la voz apasionada y las letras introspectivas de Bono. Alcanzaron altas cotas de popularidad con el lanzamiento en 1987 de su álbum The Joshua Tree. A comienzos de la década de 1990, respondieron a la revolución de la música alternativa y dance con el exitoso Achtung Baby y el más novedoso Zoo TV Tour, que acarreó críticas a su imagen, así como opiniones especializadas que sugerían cierto estancamiento musical.

Las mejores canciones de U2 son: With or Without You, Out of Control, I Will Follow, One Tree Hill, Bad, All I Want is You, Sunday Bloody Sunday, New Year's Day, Where The Streets Have no Name, I Still Haven't Found What I'm Looking For, Desire, Even Better Than The Real Thing, Ultraviolet (Light my Way), The Fly, Mysterious Ways, Until The End of The World, Numb, Zooropa, Stay (Faraway, so Close!), Miss Sarajevo ("Passengers"), Pride (In The Name of Love), Elevation, One, Beautiful Day, Vertigo, Sometimes You Can't Make it on Your Own, Sweetest Thing, City of Blinding Lights, Stuck in a Moment You Can't Get Out of, Magnificent, Moment of Surrender, Discotheque, Walk On, Hold Me, Thrill Me, Kiss Me, Kill Me.

Desde Dublín (Irlanda) la última gran banda de pop-rock, encabezada por Bono (cantante), y con The Edge (guitarra), Adam Clayton (Bajo) y Larry Mullen Jr. (batería). Ellos han creado algunos de los mejores discos de todos los tiempos: The Joshua Tree, y Achtung baby

Se creia que el nombre de la banda se debia al avión de combate U2. sin embargo años más tarde Bono declaro que fue un nombre provisional que se dió cuando en medio de un concierto Dick Evans abandono la banda sin motivo alguno y decidieron cambiar de nombre hasta encontrar uno mejor, pero su gran creciente fama hizo que lo mantuvieran. También se debe al juego de palabras en ingles ya que se pronuncia igual que "you too" (tu también)

Formación, Boy y October (1976–1982)

El joven Larry Mullen Jr. puso un anuncio en un tablón de su colegio, el Mount Temple Comprehensive School, buscando gente para formar un grupo. En principio hizo que pasaran los bateristas. Dave Evans ("The Edge") fue el tercero y el último en ingresar, ya que Larry quedó convencido de que no conseguiría algo mejor. También acudió al anuncio el hermano de Dave, Dick Evans, aunque abandonaría la banda antes de la grabación del primer disco, fundando posteriormente la banda "The Virgin Prunes". Luego fue el turno de los bajistas, dónde Adam Clayton se ganó el puesto no sólo por un contundente talento, sino también por su experiencia en otras bandas anteriores. Por último, Larry quería una segunda guitarra y voz, y ahí llegó el turno de Paul Hewson. Paul comenzó tocando la guitarra, y lo hizo mal. Entonces, Larry pidió que cantara, y lo hizo peor. Entonces, Larry siempre acusó a su olfato de lo que en ese momento parecía una locura: "Un cantante debe tener personalidad, y él la tenía", dijo Larry años más tarde.

La banda sólo tenía la batería, la guitarra eléctrica de Edge y la guitarra acústica de su hermano, ambas sin amplificadores, y el bajo de Adam, con un amplificador bastante viejo. Comenzaron tocando temas de los Beatles, de los Rolling Stones, etc. Paul se cambió el nombre a Bono Vox, en honor a una marca de audífonos de Dublin, que en latín quiere decir "Buena Voz". Dave adoptó también un nombre artístico, llamándose The Edge, y Larry agregó el "JR" a su nombre, ya que poseía el mismo nombre de su padre.

U2 dio su primer gran golpe en 1978, cuando ganaron un concurso patrocinado por Paul McGuinness en su último año de instituto. Para finales de año, el mánager de The Stranglers, Paul McGuinness, les vio actuar y les ofreció un contrato. Incluso con eso la banda tuvo problemas para seguir adelante, porque la CBS no les contrató finalmente. En otoño de 1979, U2 lanzó su sencillo de debut, "U2 Three", lanzaron 1500 ejemplares sólo para Irlanda, donde encabezó las listas. Después empezaron a actuar en Inglaterra, pero no lograron gran éxito.

U2 tenía otro sencillo, "Another Day" y en 1980 Island Records les hizo un contrato. A finales de año sacaron su álbum de debut, Boy, producido por Steve Lillywhite. "Boy" triunfó por su dinámica proveniente del Post Punk, combinándola con un sonido de absoluta vanguardia, especialmente en su peculiar sonido de guitarra. Sin duda, eran prometedores, y sus letras cargaban firmes mensajes políticos, por las permanentes situaciones adversas en Irlanda. La canción más importante de este disco fue "I Will Follow", aún hoy tocada en vivo en sus recitales, pero también fueron importantes canciones como "Another Time, Another Place" y "Stories For Boys". Gracias a los continuos recitales, entre los que se incluían abrir las actuaciones de Talking Heads y una pequeña gira denominada Boy Tour, U2 pudo llevar a Boy al 70 de las listas americanas a principios de 1981. Con la producción de Lillywhite lanzaron October, álbum. Fue muy poco exitoso y la banda lo sufrió mucho, ya que los sorprendió una mala respuesta popular justo cuando alcanzaban la escena musical importante. Pero manteniendo una dinámica de disco tras disco, se tenían algo entre manos.

War, Under a Blood Red Sky y The Unforgettable Fire (1983-1985)

Lillywhite continuó en la producción de discos de la banda con el álbum War, realizado en la primavera de 1983.

Este álbum tenía más mensaje político que los álbumes anteriores y en él se incluyeron dos de las canciones más famosas del cuarteto; "Sunday Bloody Sunday" y "New Year's Day", la beligerante declaración de paz de U2, cumple 28 años sin perder actualidad. Con estos temas alcanzaron la cima en varios Rankings y War despertó la curiosidad de quienes buscaban un sonido nuevo y letras que realmente despertaran los sentimientos de los jóvenes Irlandeses.

Durante el War Tour lanzaron el disco y el video titulado Under a Blood Red Sky, grabado en Red Rocks Colorado, con lo que U2 ya empezaba a revolucionar la manera de presentar un concierto en vivo. El álbum entró en las listas en el número 2 y se convirtió en el directo de mayor éxito de las Islas británicas.

Durante este período en el que U2 ya empezaba a ganarse al público británico, estos recibieron una importante invitación de Juan Pablo II. Era conocido que U2 cargaba algunas de sus canciones con mensajes religiosos, pero realmente era contradictoria la invitación. Después de un largo debate decidieron aceptar, pero pidieron que no hubiera camarógrafos ni paparazzi, querían una charla íntima con el Papa. Respondieron que sin cámaras ni filmadoras no había gracia, que era lo mismo que no fueran. "Hagan lo que quieran, pero sin nosotros", respondió Bono.

Después de War, U2 volvió a los estudios con Brian Eno y Daniel Lanois como productores, quienes le dieron un toque experimental. Lanzado en otoño de 1984, The Unforgettable Fire volvió a conseguir el éxito obtenido con War. Fue uno de los discos más revolucionarios de la banda, adoptando un estilo absolutamente distinto al de sus inicios, cargando a sus canciones de fracciones melódicas, y explotando más que nunca la creatividad de su guitarra. Inclusive, fue uno de los períodos más creativos de Adam, el bajista. Entró en el número 1 de las listas británicas y en el 12 de las americanas. El álbum supuso ingresar en el top 40 de las listas americanas con la canción de homenaje a Martin Luther King "Pride (In the Name of Love)". U2 salió de gira para promocionar el disco, titulado Unforgettable Fire Tour; dentro de los conciertos de ese tour destacó una actuación memorable en el Live Aid, donde ya tenían el mundo a su alcance. Después de la gira, lanzaron el mini-LP en directo Wide Awake in America en 1985.

The Joshua Tree y Rattle and Hum (1986–1989)

Placa en el lugar donde se tomó la fotografía de la carátula de The Joshua Tree, referenciando a la canción "I Still Haven't Found What I'm Looking For".

Mientras que U2 se había convertido en una de las bandas de rock más exitosas de la década de 1980, todavía no habían logrado el estrellato, hasta que en primavera de 1987 lanzaron The Joshua Tree. Aclamado con buenas críticas, muchos lo calificaron de obra maestra. Este disco se convirtió en su primer número uno en Estados Unidos7 y su tercer álbum en alcanzar el número uno en el Reino Unido. Con sus números uno en Norteamérica, "With or Without You" y "I Still Haven't Found What I'm Looking For", The Joshua Tree y el tour que le precedió (The Joshua Tree Tour) le fueron merecedores de portadas en revistas tan prestigiosas como Time. El álbum también incluía el mítico sencillo "Where the Streets Have No Name".

U2 decidió filmar un documental sobre su gira estadounidense, grabando además nuevo material en el camino. El proyecto se llamó Rattle and Hum, que fue respaldado por un doble disco en el que había canciones en vivo junto con material nuevo. Mientras que con el álbum Rattle and Hum lograban ser un éxito, tanto el documental como la película recibían pobres críticas en las que se reseñaba la fascinación del grupo por la música de raíces americanas como el blues, el soul, el country y el folk. Después de realizar una de sus mejores giras, el Lovetown Tour, el grupo se tomó un descanso.

EL PUNK EN ESPAÑA DURANTE LOS 80

El punk en España surgió a finales de la década de los setenta, impulsado por el auge del movimiento punk en el mundo anglosajón y poco después de la muerte del dictador Francisco Franco, cuando se había iniciado ya la la Transición hacia una democracia parlamentaria. Sin embargo, a diferencia de lo ocurrido en el Reino Unido, donde emergió con enorme fuerza en pocos meses a partir de 1977, en España, como en el resto de Europa, se desarrolló más lentamente y en años inmediatamente posteriores.

La capacidad transgresora del movimiento punk llegó España a finales de los setenta, como eco del apogeo que entonces tenía la primera oleada del punk, americano y especialmente británico, aunque su repercusión fue más gradual y comenzó en un círculo reducido de artistas relacionados con la literatura, la pintura o la historieta, a veces ajenos a los ambientes musicales y alejados de los grandes medios de comunicación. Éstos, por su parte, estaban alarmados por los titulares que llegaban del Reino Unido acerca de los aspectos extramusicales del punk.
Aunque los primeros grupos propiamente punk comenzaron a aparecer a principios de los 80, existe un pequeño puñado de pioneros que diferentes autores reclaman como los primeros punks en España. Entre estos pioneros se encuentran Mortimer, Basura, Peligro, Almen TNT (Barcelona) y Ramoncín y W.C. (Madrid), que editaron sus primeros discos en 1978; pero sobre todo La Banda Trapera del Río y Kaka de Luxe son los más reconocidos como los primeros punks del país. Los orígenes de ambos conjuntos son bien diferentes. Mientras los primeros se formaron en un barrio obrero de Cornellá de Llobregat (Barcelona), los segundos eran estudiantes de clase media de Madrid (aunque ambos se movían en ambientes callejeros). Mientras que la Trapera se encontró con el punk sin comerlo ni beberlo, los miembros de Kaka de Luxe estaban más versados en las novedades discográficas, sobre todo de las provenientes del Reino Unido.

Surgen así dos de las «vertientes» en las que se ha clasificado el punk hecho en España: punk politizado, solidario con la realidad sociopolítica del entorno y punk no potilizado, más frívolo, buscando la diversión y la provocación más que la confrontación.

Entre 1978 y 1979 aparecieron las consideradas primeras grabaciones punk españolas, no exentas de polémica, como el primer LP La Banda Trapera del Río (Belter, 1979) y el primer single de la Banda Trapera, «La regla», el primer EP de Kaka de Luxe, «No seas lesbiana mi amor» de Basura y «Ya nadie cree en la revolución» de Almen TNT.14 Ninguno de estos discos tuvo apenas repercusión comercial. El honor de haber publicado en primer lugar recae, en todo caso, en los mencionados Ramoncín y W.C., que a comienzos de 1978 sacaron su primer single, «Rock and roll duduá», seguido por su primer LP, Ramoncín y W.C.? (EMI).

A los problemas con las ventas se unía la reticencia de las discográficas establecidas a publicar un material semejante, tal y como ocurriera anteriormente en el Reino Unido, donde muchos grupos tuvieron al principio que editar en sellos independientes. La negativa de las discográficas se debía tanto a los contenidos como a la desconfianza que inspiraban en los artistas estrella de las compañías, que en caso de proceder del rock se identificaban más bien con la escena underground —conocida como "el Rollo" o "el rollo enmascarado"— que miraba al punk con hostilidad o desprecio. En pocos casos se avinieron a colaborar musicalmente con los recién llegados, aunque fue precisamente un popular locutor de la escena rock española, Mariscal Romero, quien finalmente produciría la primera grabación de Kaka de Luxe en 1978:

«El punk estallaba en el Reino Unido, y los niños de papá ricos hispanos, como Kaka de Luxe, jugaban a hacer música. Lo que grabaron era demasiado: había una cuantas canciones muy fuertes que lo hacían impublicable. Pero eran tan divertidos como malos tocando. Alaska sólo tenía 14 años cuando grabó, y su guitarra abultaba tanto como su exuberante culo; El Zurdo cantaba como Tarzán llamando a sus elefantes»

                                                                                                                   Mariscal Romero, 1978

El movimiento musical que acaparó más la atención mediática fue el denominado como la Movida. La mayoría de los grupos representantes de ésta eran representantes de la derivación más suave y comercial del punk, conocida como «nueva ola». No obstante, entre las diferentes tendencias agrupadas bajo el heterogéneo rótulo de «La Movida» (pop, pop-rock, tecno-pop, la llamada «onda siniestra», etcétera), el punk tuvo su parte esencial y fundadora del movimiento.

Hacia 1980-1981, algunos de los grupos más representativos fueron Alaska y los Pegamoides, Paraíso (ambos surgidos de la disolución de Kaka de Luxe y con una orientación más pop que el legendario grupo seminal), La UVI o Los Nikis. Estos últimos tuvieron un gran éxito en la escena madrileña con un punk acelerado que bebía de The Ramones y que fue desarrollado por varios grupos en las siguientes décadas. De hecho, Los Nikis fueron conocidos como «los Ramones de Algete». La UVI fueron el grupo punk por antonomasia de los primeros ochenta en el Madrid de la Movida, con unas raíces de punk americano y sonido Detroit. Influyeron mucho en bandas punk posteriores de todo el Estado y fueron seminales al inspirar otros proyectos posteriores como Commando 9 mm, etc. Grabaron para Spansuls y Subterfuge. Otro grupo importante en la onda de punk «ramoniano» fueron Zoquillos, que en 1983 editaron un único sencillo (Zoquillos, Spansuls) cuya canción «Nancy» se convirtió en un éxito muy popular por entonces. Parálisis Permanente, por su parte, eran al comienzo un grupo paralelo a Alaska y los Pegamoides, en la que dos de los Pegamoides daban rienda suelta a sus gustos más radicales y siniestros (Killing Joke y el punk inglés del momento), que no tenían cabida en el grupo principal, que perseguía un sonido pop comercial a pesar de mantener la estética punk. Poco a poco fueron llegando otros grupos no sólo de estética sino de música y actitudes claramente punk, como Espasmódicos, Larsen —cuyo «Frontera Francesa» acabaría teniendo repercusión gracias a su entrada en radiofórmulas—, o La Broma de Ssatán, que se movieron en los márgenes de la movida.

Durante los primeros ochenta surgieron en el País Vasco y Navarra una oleada de grupos que tomaron la rabia del punk y la amoldaron a la situación socio-política que en aquellos momentos se vivía en el País Vasco y las zonas vasco-navarras.

Surgieron una gran cantidad de grupos como La Polla Records, Cicatriz, Hertzainak, Zarama, Barricada o Kortatu que se enmarcaron en lo que vino a llamarse el Rock Radical Vasco. Asimismo, otros grupos como Eskorbuto o M.C.D. decidieron no mostrarse afines a esta corriente, como símbolo de su independencia musical e ideológica. Dentro de esta escena existió cierta variedad estilística, encontrando desde ska (Kortatu fueron pioneros en introducir el ska en el País Vasco ) hasta rock duro (caso de Barricada) o hardcore punk (BAP!!).
Los orígenes de la escena punk vasca remontan, como en las otras escenas importantes, a finales de los años 1970, aunque apenas se dio a conocer. Puede decirse que lo más próximo al punk que llegó a tener repercusión fue el grupo musical-teatral Orquesta Mondragón, en sus inicios próximo al estilo provocador de los americanos The Tubes. La Mondragón intervino, en efecto, en numerosos festivales punk, y se recuerda una batalla de lanzamiento de sillas entre público y grupo en un concierto en Barcelona a comienzos de 1979. Grupos propiamente punk activos hacia 1980 fueron Asco, los No, Negativo, Doble Cero, etc., algunos de los cuales, en el mejor de los casos, llegaron a participar en recopilatorios. Significativo es el caso de La Banda Sin Futuro que, transformados en Derribos Arias, se mudaron a Madrid, como también hizo Kike Turmix, que se convirtió en un célebre personaje de La Movida.

Sin duda, los más tenaces de estos pioneros fueron Zarama (nombre que significa «basura»), que publicaron ya en 1980, en el recopilatorio Euskal 80. Posiblemente su primer single, «Nahiko», de primavera de 1982 (Discos Suicidas), se puede considerar el primer disco punk vasco. Cosa de un año después, en primavera de 1983, llegaron los primeros EP de los bilbaínos Eskorbuto, Mi degeneración (Spansuls), y La Polla Records, Y ahora qué? (Soñua).

Otros dos importantes acontecimientos tuvieron lugar en la misma primavera: en primer lugar, el festival punk de Oñate, celebrado el 16 de abril de 1983, en el que participaban los grupos Odio, Basura, Cirrosis, Desorden, RIP (ex Doble Cero), Vulpes, Cicatriz en la Matriz (futuros Cicatriz y aún con cantante femenina) y los catalanes Último Resorte. El festival, organizado por el fanzine Destruye!!, fue un gran éxito de público, significativo del modo como el punk estaba calando en la juventud vasca, azotada por la situación socio-política mencionada arriba. El otro acontecimiento fue la retransmisión de la actuación de las Vulpes en el programa de TVE Caja de ritmos el 23 de abril, con el consiguiente «escándalo» por la letra de la canción «Me gusta ser una zorra», publicada como single poco después (en el sello independiente madrileño Dos Rombos). La actuación de Las Vulpes fue tan impactante para la sociedad española que hizo que los medios de comunicación generalistas volviesen la mirada hacia el País Vasco.

En 1984, numerosas publicaciones en forma de LP llegaron, comenzando por el LP Salve de La Polla Records, que tendría un enorme éxito, a diferencia del maxisingle compartido de Eskorbuto y RIP, Zona Especial Norte, publicado más o menos a la vez. En el mismo año publicaron sus primeros LP's los grupos Hertzainak y Zarama, no estrictamente clasificables como punk. Entre tanto, la etiqueta de rock radical vasco (a menudo escrito con 'k') comenzaba a divulgarse, habiendo sido lanzada en 1983. La etiqueta iba a servir para lanzar como un fenómeno mediático a grupos de origen vasco de tendencias más o menos afines a las de la izquierda abertzale, y no exclusivamente punk. La etiqueta quedó definitivamente fijada en las giras «Martxa eta borroka» («marcha y lucha») de 1985, en las que jugó un papel activo el diario Egin.28 La injerencia evidente de intereses políticos fue lo que ocasionó el distanciamiento público respecto del RRV por parte de grupos como Eskorbuto o M.C.D., como ya se dijo arriba. Pero fueron muchos más los grupos que se beneficiaron del éxito del fenómeno.
Fue en este contexto en el que se dieron a conocer los jóvenes Kortatu, el grupo más exitoso del RRV junto a La Polla Records. También tuvieron considerable éxito Hertzainak (rock con influencias de The Clash), Barricada (rock duro) y Cicatriz, así como, a pesar de desvincularse públicamente, Eskorbuto. De 1985 en adelante, la escena vasca dominó completamente el panorama punk nacional, desde el punto de vista de la repercusión mediática y aceptación popular.

Especialmente importante fue la escena punk barcelonesa. Tras la etapa de los pioneros citados arriba, La Banda Trapera del Río, Basura, etc., las discográficas se desinteresaron y no hubo nuevas publicaciones hasta 1982. En la etapa intermedia, tuvieron un papel especialmente destacado Último Resorte junto a, en menor medida, Masturbadores Mongólicos, Xerox, Clinic Humanoyds, Frenopaticss, Attak y otros.

A mediados de los años 80, la escena barcelonesa estaba más centrada en el hardcore punk que otros lugares del estado. Aparecieron bandas como Anti/Dogmatikss, GRB, L'Odi Social, Shit S.A., Subterranean Kids o Monstruación, que, partiendo del ideario anarcopunk y hardcore optaron por la autogestión a todos los niveles (publicaciones, organización de conciertos, etc.). Así, por ejemplo, es significativo que la ocupación de una casa abandonada en octubre de 1984 por el Colectivo Squat de Barcelona fuese la primera en su género en el país (el término «okupa» se introdujo años más tarde: inicialmente, se hablaba de «squatters» o «crackers»).

En Valencia, donde dominaba el sonido tecno-pop de grupos como Glamour, después de algunos proyectos más o menos punk de breve vida y pobre repercusión como La Morgue o Garage, aparecieron Interterror, conocidos como «los chicos del Lili Marleen», que tuvieron bastante éxito en 1983 gracias a su single «Adiós Lili Marleen», una versión libre de la canción «Lili Marleen». En 1985 publicaron póstumamente su álbum Interterror. El éxito de «Adiós Lili Marleen» puso a algunos grupos de Valencia (como Los Scooters, La Resistencia o Los Auténticos) en la mirada de los responsables de la movida en Madrid.
Otro grupo valenciano, Seguridad Social, a pesar de publicar desde 1982, tardó en hacerse conocer, cosa que consiguió, tras importantes cambios de estilo, a finales de la década. La escena valenciana gozaba, por lo demás, de la actividad de una de las radios libres pioneras del país, Ràdio Klara y Radio Libertaria. Junto a los pioneros Interterror, hay que destacar a otros grupos como Kk For You, La Morgue, Sade, Las Terribles, Se Vende, Los Garfios, Vamps, Generación 77, Nuevo Ejército de Salvación (NES), Éxtasis, Alcohólicos Crónicos y los primeros Nocivo.

En la seccion de descargas teneis los enlaces al documental sobre el punk en España:

No Acepto!!! 1980-1990: diez años de hardcore, punk, ira y caos (Música Autónoma/Producciones Zambombo, 2007). Documental de 4 horas y media sobre la explosión del punk en España durante los años 80.

LA MUSICA DISCO EN EUROPA '' ITALO - DISCO ''

Italo disco es un término que refiere a varios tipos de música disco, pop, dance y otras de origen europeo que fueron desarrollados durante la década de 1980 en Italia y otras partes de Europa. Es una de las primeras formas de música de baile completamente electrónica de la historia. La música Italo disco tiene un sonido distintivo y futurista que se creó con sintetizadores, cajas de ritmos, y vocoderes. Durante los años 80, el término "Italo-disco" se usó en Europa para describir todos las producciones de música dance que no fueran de los EE. UU. y del Reino Unido, donde este ritmo fue prácticamente desconocido.

El término "italo disco" se originó a partir de la serie Italo Boot Mix, un megamix formado por música disco de procedencia italiana y alemana, de Bernhard Mikulski, fundador del sello alemán ZYX Music. Antes de 1983, la música era simplemente considerada dance o disco hecho en Europa y sin haberse desarrollado su característico estilo todavía.
Los presentadores del programa musical italiano Discoring (producido por RAI) llamaban a los temas de italo disco "rock elettronico" (rock electrónico) o "balli da discoteca" (disco dance) antes que el término "italo disco" llegara a existir.

La entrada de los sintetizadores y otros efectos electrónicos en la música disco produjo como resultado la música electrónica bailable, con estilos como el Hi-NRG en Estados Unidos y el space disco en Europa. La sensación generalizada entre los bailarines y oyentes era la de estar ante un sonido completamente nuevo, tanto por la sonoridad de la nueva tecnología musical como por los efectos de la iluminación de las discotecas de la época. El italo disco estaba fuertemente influenciado por la obra de varios productores como el italiano Giorgio Moroder, el músico francés Didier Marouani, varios éxitos del baterista francés Cerrone, el sonido electropop (Kraftwerk, Telex, Devo y Gary Numan) y los primeros álbumes de Hi-NRG del productor de San Francisco Patrick Cowley con cantantes como Sylvester James y Paul Parker.

Hacia 1980, el italo estaba totalmente desarrollado en Italia y otras partes de Europa. Las canciones eran en ocasiones totalmente electrónicas, utilizándose para su composición cajas de ritmos, melodías pegadizas, vocoders, letras de amor cantadas en inglés con fuerte acento extranjero y, ocasionalmente, letras sin sentido alguno (debido al pobre conocimiento de inglés de los cantantes). Para una audiencia que predominantemente no hablaba inglés, la voz era considerada como un instrumento adicional, concediéndose de poca importancia su mensaje. Junto con el amor, otras temáticas habituales del italo disco son los robots y el espacio exterior, combinándose en ocasiones los tres temas, como en las canciones "Robot Is Systematic" (1982) de 'Lectric Workers o "Spacer Woman" (1983) de Charlie. El italo disco sonaba ampliamente en emisoras de radio y en las discotecas europeas, pero en el mundo anglosajón, era un fenómeno underground.
1983 está considerado como el cénit del italo, cuando una multitud de singles alcanzaron posiciones de hit y surgieron un buen número de sellos. Entre estos se destacan American Disco, Crash, Merak, Sensation and X-Energy. El sello Disco Magic publicó más de treinta singles en un año. También fue el año en que el término fue, supuestamente, acuñado por Bernhard Mikulski, fundador de ZYX Music (Alemania), cuando ZYX publicó el primer volumen de su serie The Best of Italo Disco.

Estilos derviados: 1982–1989
En la segunda mitad de los años 1980 el italo decayó, siendo reemplazado por el italo NRG o italo house, que combinaba italo a gran velocidad con elementos de house.
En Canadá, especialmente en Quebec, surgieron varios grupos significativos como Trans X ("Living on Video"), Lime ("Angel Eyes"), Pluton & the Humanoids ("World Invaders"), Purple Flash Orchestra ("We Can Make It") o Tapps ("Forbidden Lover"). A estas producciones se les llamó "canadian disco" durante 1980-1984 en Europa y Hi-NRG disco en Estados Unidos.
En Alemania, donde el término "italo disco" fue acuñado originalmente y comercializado por ZYX Records en 1983, surgieron otros nombres para describir el género como euro disco o discofox. Las producciones alemanas también eran cantadas exclusivamente en inglés y se caracterizaban por su énfasis en la melodía, una exagerada sobreproducción y un acercamiento más serio a la temática de amor. Son ejemplos los trabajos de Fancy, Bad Boys Blue, Joy, Lian Ross, C.C. Catch y otros.
Desde mediados de los 1980 se desarrolló el spacesynth, como subgénero. Este estilo es un cruce entre el italo disco y el space disco y es normalmente instrumental, centrado en los sonidos espaciales. Son características las producciones de Koto, Proxyon, Rofo, Cyber People, Hipnosis y Laserdance.

Lista no exahustiva de artistas de italo disco originales

Alan Ross
Albert One
Argentina
Brian Paris
Baby's Gang
Baltimora
Belouis Some
Bizzy & Co
Brian Ice
Carrara
Cruisin' Gang
David Lyme
Den Harrow
Duke Lake
Eddy Huntington

Freddy Ventura
Fun Fun
Gary Low
Gazebo
Joe Yellow
Ken Laszlo
Lee Marrow
Linda Jo Rizzo
Max-Him
Michael Belford
Miko Mission
Mikron
My Mine
P. Lion
Radiorama

Ross
Roy
Sabrina Salerno
Sandy Marton
Savage
Scotch
Silver Pozzoli
Styloo
Swan
Taffy
Tom Hooker
Topo & Roby
Tracy Spencer
Valerie Dore
Via Verdi

ROCK ALTERNATIVO

El término rock alternativo hace referencia a un conjunto de géneros de rock que nacieron en los años 60 y alcanzaron sus mayores cotas de popularidad a finales de los años 80, así como a todos los subgéneros que han surgido a partir de ellos desde entonces. Estos términos se acuñaron para describir la música de los grupos que grababan sus discos en discográficas independientes y que no se ajustaban a la música mainstream de la época. Entre los diversos géneros que han surgido en la escena independiente, cabe destacar el grunge, el indie o el britpop, entre muchos otros. Estos estilos tienen en común la herencia del espíritu del punk y de los géneros que surgieron a partir de él.

Durante los 80, el éxito comercial de algunos grupos de rock alternativo que no abandonaron sus planteamientos originales como R.E.M. o The Cure, supuso que no se diera tanta importancia a grabar para una discográfica independiente o tener éxito únicamente en circuitos underground, como a ser una alternativa a la música comercial. En los 90 debido al éxito en todo el mundo de corrientes musicales como el grunge y el britpop, varios grupos etiquetados bajo esta denominación llegaron a obtener un éxito masivo.

El rock alternativo se ha definido desde sus inicios por su rechazo al mercantilismo de la cultura establecida. Los grupos alternativos de los 80 actuaban en pequeños clubes, grababan en discográficas independientes y eran conocidos por sus seguidores a través del boca a boca. El rock alternativo no es un estilo musical como tal, sino una denominación muy amplia que abarca desde las guitarras distorsionadas y las letras depresivas del grunge, hasta la inocencia desaliñada del twee pop, pasando por el pop revivalista del britpop, las melodías etéreas del dream pop o la experimentación del post rock.

Aunque la mayoría de los artistas alternativos de los 80 no consiguieron grandes ventas de sus discos, ejercieron una considerable influencia en los músicos que crecieron en esta década y pusieron la base para su posterior éxito masivo. El éxito comercial del álbum Violator de Depeche Mode, editado en 1990, llevó a muchos grupos de rock alternativo a introducirse en el mainstream, cosechando grandes ventas a la vez que buenas críticas por parte de la prensa especializada. Sin embargo, muchos de estos artistas rechazaban el éxito por contradecir la ética do it yourself y la idea de autenticidad artística en la que siempre habían creído antes de obtener la popularidad.

Rock alternativo en el Reino Unido

El rock gótico nació como una rama del post-punk británico en los últimos 70 y la mayoría de los primeros grupos góticos como Bauhaus, Siouxsie and the Banshees y The Cure fueron etiquetadas dentro de estas dos corrientes. El rock gótico se desarrolló como tal a principios de los 80 con la apertura del club Batcave y el comienzo de la subcultura gótica. A mediados de década, grupos góticos como Sisters of Mercy, The Mission o Fields of Nephilim fueron alcanzaron las listas de éxitos del Reino Unido, mientras grupos pioneros como Siouxsie and the Banshees y The Cure renovaron y ampliaron su sonido y alcanzaron el éxito internacional a finales de los 80.

El indie rock y el indie pop británico nacieron con el sonido los grupos de post-punk escoceses como Orange Juice y Aztec Camera y otros que grabaron en Postcard Records a principios de los 80. El grupo más influyente y popular que surgió inspirado en este sonido fueron los mancunianos The Smiths, quienes lograron grandes ventas mientras infuían a toda una generación de grupos desde el sello Rough Trade Records. Su utilización de la guitarra eléctrica en una época dominada por los sintetizadores, es visto como el final de la New wave en el Reino Unido, logrando convertirse también en un grupo de culto en muchos otros países. Tras la disolución de los Smiths en 1987, su cantante Morrissey inició su carrera en solitario tan influyente como la desarrollada con su antiguo grupo, al mismo tiempo que otros grupos como The Housemartins, James y The Wedding Present incidieron en el mismo estilo que los Smiths. Una canción de The Wedding Present fue incluida en el célebre casete C86 que publicó el New Musical Express. Esta cinta dio nombre al movimiento musical del mismo nombre y se convirtió en la principal influencia en el desarrollo de la escena alternativa británica en general y del indie pop en particular. Otros grupos que aparecían en el mismo cassette fueron The Pastels, Primal Scream y Soup Dragons, bandas estas dos últimas que cambiarían su sonido utilizando elementos de música electrónica pocos años más tarde.

En el Reino Unido también surgieron otras formas de rock alternativo durante los 80, como el que practicaban New Order, grupo que surgió de las cenizas de Joy Division tras el suicidio de su líder Ian Curtis y que experimentaba con influencias de la música electrónica y del house integrándolas en canciones indie. Asimismo, el estilo de The Jesus and Mary Chain, que se basaba en melodías pop envueltas en muros de guitarras ruidosas, junto al dream pop de grupos como Cocteau Twins y el space rock de Spacemen 3 fueron las principales influencias de la corriente shoegazing nacida a finales de la década. Este movimiento fue bautizado de esta forma por la costumbre de los miembros de los grupos que lo integraban de mirar hacia abajo mientras actuaban en directo, entre estas bandas destacaron My Bloody Valentine, Slowdive, Ride o Swervedriver y fueron predominantes en la prensa británica a finales de la década. El shoegazing compartió protagonismo con la escena Madchester surgida en la ciudad de Manchester alrededor de la discoteca The Haçienda y del sello Factory Records y estuvo representada por grupos como Happy Mondays, The Stone Roses o The Charlatans, que combinaban el indie, el rock psicodélico y la cultura rave.

Rock alternativo en los Estados Unidos

Los primeros grupos alternativos estadounidenses como Dj Rafafire Violent Femmes o The Feelies combinaban las influencias del punk con música folk norteamericana y sonidos más comerciales. R.E.M. fue el primer grupo alternativo en tener éxito comercial cuando su álbum de debut de 1983, Murmur, entró en el Top 40 en EEUU. La corriente llamada Paisley Underground, surgida en Los Ángeles y representada por grupos como Dream Syndicate o Green on Red, también estaba muy relacionada con el sonido de R.E.M. al incorporar en su música influencias del rock psicodélico y armonías vocales y juegos de guitarras característicos del folk rock, combinadas con la herencia del punk y de grupos de culto como The Velvet Underground.Todas estas bandas fueron agrupadas en Europa bajo la denominación «Nuevo rock americano», nombre que se popularizó a mediados de los 80 para referirse a este sonido.

Varias discográficas indie estadounidenses, como SST, Twin/Tone, Touch and Go, Dischord Records o Sub Pop protagonizaron la transición desde el hardcore punk, que fue la corriente dominante en la escena underground norteamericana a principios de los 80; hasta los diferentes estilos de rock alternativo que estaban surgiendo. Los grupos de Minneapolis Hüsker Dü y The Replacements fueron representativos de este cambio, ya que procediendo del hardcore pronto ampliaron sus influencias evolucionando hacia un sonido más melódico que culminó en los álbumes Zen Arcade de Hüsker Dü y Let it Be de The Replacements, ambos publicados en 1984. Estos dos discos, así como los siguientes que grabarían ambos grupos, fueron aclamados por la crítica y llamaron la atención hacia el emergente rock alternativo. En el mismo año la discográfica SST también publicó discos de otros grupos que contribuyeron a la expansión de la escena, como es el caso de Minutemen y Meat Puppets, quienes combinaban el punk con funk y country respectivamente.

EL CARACTERISTICO SONIDO EBM DE LOS 80

Electronic body music (conocido principalmente como EBM) es un genero musical que combina elementos de la música industrial y de la música electrónica punk. Emergiendo en los años 80 a mediados de las influencias de los géneros se extienden de la música industrial (Throbbing Gristle, Cabaret Voltaire), Electropunk Europeo (DAF, Liaisons Dangereuses, Portion Control) y después Musica Electronic (Kraftwerk).

El estilo fue caracterizado por los golpes electrónicos bailables difícilmente y a menudo escasos, los gritos o los gruñidos con efectos de la reverberación y del eco, y las líneas repetidoras del secuenciador. En este tiempo los sintetizadores importantes eran Korg MS-20, Emulator II, Oberheim Matrix o el Yamaha DX7. Los ritmos típicos de EBM se basan en 4/4 de los golpes, principalmente con algún syncopation de menor importancia para sugerir una estructura del ritmo de la música del rock.
Electronic body music fue acuñada por la banda belga Front 242, de las bandas de 1984 para describir la música de su EP No Comment, lanzado en el mismo año. Algunos años antes, la DAF de Alemania utilizó el término "Körpermusik" ((body music) en una entrevista para describir su sonido electrónico bailable del punky. Otro término que se ha utilizado para referir a EBM es el aggrepo, una contracción del "estallido agresivo", usada principalmente en Alemania a finales de los 80.

En los artistas de los años 80 como el Front 242 y Nitzer Ebb (ambos influenciados por actos tales como Deutsch-Amerikanische Freundschaft, Cabaret Voltaire y Throbbing Gristle) comenzó a combinar el electropunk alemán con los elementos de la música industrial británica. El resultado de esta mezcla era un sonido bailable que fue llamado parte posteriormente de EBM en 1984. Los álbumes notables de EBM incluyen Front 242's "Official Version" y Nitzer Ebb's "That Total Age", ambos lanzados en 1987.
Por la mitad segundo de los años 80, los grupos americanos y canadienses de la música tales como Front Line Assembly, Ministry, Batz Without Flesh y Schnitt Acht comenzaron a utilizar elementos típicos del europeo EBM. Combinaron estos elementos con la aspereza de la música de america " post-industrial music" (Revolting Cocks).

Poco después, un puñado de bandas tales como Nine Inch Nails creó un estilo rock-orientado bajo influencia de los synths y de las secuencias de EBM. El resultado más bien conocido fue lanzado en 1989 bajo el nombre de Head Like A Hole
Mientras tanto EBM llegó a ser popular en la escena club underground, particularmente en Europa. ¡En este período las labels más importantes eran los PIAS del belga, Antler-Subway & KK Records, el Aleman Animalized, Techno Drome International & Zoth Ommog, El Norteamericano Wax Trax! y los Suizos label " Front Music Production" & Energy ( después renombradas Energy Rekords).

Otros artistas además del Front 242 & Nitzer Ebb eran Die Krupps, Vomito Negro, Signal Aout 42, Insekt, Force Dimension, Bigod 20 and Electro Assassin. Algunos otros grupos eran A Split-Second (un acto belga del electro-rock/new beat), AAAK, The Weathermen, The Klinik, Borghesia, The Neon Judgement, Attrition or Philadelphia Five. Estos actos produjeron algunas canciones genre-typical, aunque no eran grupos de EBM. Los artistas de algún EBM también tenían una influencia en muchos artistas del New beat & Goa trance como Juno Reactor, Astral Projection, Eon Project.

SIMPLE MINDS

Simple Minds es una banda de rock escocesa de finales de los años 70 hasta la actualidad. A lo largo del tiempo han ido expresando géneros como Post-Punk, New Wave, New Romantic, experimentalismo, etc. Conquistaron el mercado americano y de todo el mundo, posicionándose en el primer puesto de los rankings, gracias al hit Don't You (Forget About Me), parte de la banda sonora del film de John Hughes The Breakfast Club. Sin embargo, la banda no comenzó de manera exitosa a pesar de los estilos experimentales que implementaron en sus creaciones. Simple Minds a lo largo de su historia ha vendido más de 40 millones de discos y fueron nominados dos veces a los Brit Awards. Sus miembros más permanentes desde su formación en 1978 son Jim Kerr y Charlie Burchill, cantante y guitarrista de la banda, respectivamente.

En 1977, Jim Kerr (voz), Charlie Burchill (guitarra, violín y saxofón) y Brian McGee (batería), tres amigos del Holyrood R.C., una local escuela católica de secundaria, junto a otros pertenecían a Johnny and the Self-Abusers, uno de los primeros grupos punk que surgieron en Escocia. Poco tiempo después, este trio de amigos desintegraría esta agrupación para formar Simple Minds. El grupo sacó el nombre de la letra de una canción de David Bowie llamada "Jean Genie". El grupo utiliza un símbolo celta como logotipo. Consta de un corazón sostenido por una mano a cada lado y con una corona encima. El símbolo significa amor, amistad y lealtad.

Jim Kerr y Charlie Burchill, hasta ahora los únicos miembros permanentes en la banda desde sus comienzos, se conocieron a los 8 años de edad, en una escuela de Glasgow (Escocia). El futuro les depararía convertirse en unas de las parejas musicales más sólidas de la historia del rock. Cantante principal y guitarrista en completa simbiosis sobre el escenario.

Tony Donald se integró en el bajo, y Brian McGee en la batería, así como Mick McNeil en los sintetizadores. Tony Donald fue remplazado ese mismo año por Derek Forbes.

Primeros años

Sus primeros discos se caracterizan por cambios de música, desde el euro-disco hasta el pop. El primero, en 1979, Life in a Day característico del new wave que surgía del punk, cuya boga estaba acabando. Canciones como Chelsea Girl y Life In A Day fueron sacadas en sencillo en ese año y lograron puestos regulares. Por ese tiempo el sonido de la banda comprendían punk, sicodélico e influencias como David Bowie en su etapa en Berlín y el Genesis de Peter Gabriel (cuya carrera solista también admiran, quedando demostrado años más tarde).

En ese mismo año, sin embargo, un disco más oscuro y maduro salió a la luz para favorecer a la crítica: Real to Real Cacophony, ya con claros síntomas del New Wave con canciones como Premonition. Lamentablemente este disco fue desfavorecido con las ventas y el ranking.

Le seguiría en 1980 Empires & Dance, con su música experimental, con grandes composiciones como I Travel. El grupo perfilaba el sonido que poco después les hacía ser populares en Norteamérica. Uno de los sonidos protagonistas, el del teclista Mick MacNeil, miembro de Simple Minds que también ha trabajado con Trevor Horn y Rod Stewart. Simple Minds en sus inicios fueron influenciados por el sonido del sintetizador de sus bandas alemanas favoritas. Esto hará que se les catalogue más como grupo europeo que británico. El afamado Peter Gabriel se fijó en ellos y fueron invitados para telonear su gira. La primera vez que el grupo visitó España fue en la gira de Gabriel de 1980 en Badalona. John Leckie, que trabajó con George Harrison o Pink Floyd, fue el productor de sus 3 primeros trabajos.

Posteriormente, en 1981, ya con la discográfica Virgin Records y con otro productor llamado Steve Hillage, grabarían discos con un toque cercano al Rock Progresivo como Sons And Fascination, con Love Song como gran éxito, y Sister Feelings Call que incluía The American, cuya caraterística fue que salieron en formato de combo, y que posteriormente fueron separados para su venta individual. Love Song fue durante muchos años sintonía del famoso programa deportivo radiofónico de Jose María García. El 20 y 21 de diciembre de 1981 Simple Minds tocaría en el desaparecido "Rockola" de Madrid. A principios de 1982 salió a la venta un recopilatorio con el título de Celebration, que sólo incluiría una canción nueva. En este disco se hacía un repaso a los primeros 3 álbumes de la banda. Sus discos iniciales reflejaban el gusto por la técnica electrónica. No eran álbumes fáciles, sino muy experimentales, llenos de ritmos duros y textos fríos pero expresados con apasionamiento.

Éxito

Terminada la grabación del álbum Sister Feelings Call, Brian McGee se separa de la banda y se dirige a Endgames. Lo reemplaza Kenny Hyslop, con quien hacen la gira completa del disco.

Y después de esperar el éxito de una forma más palpable, el álbum New Gold Dream (81-82-83-84), también del año 1982, con Peter Walsh como productor, logró entrar en las listas comerciales estadounidenses con éxitos como "Promised You A Miracle", "Someone Somewhere In Summertime" y "Glittering Prize". Fue una derivación del New Wave al New Romantic. La música es más accesible pero sin perder fuerza ni originalidad. Para la grabación de ese disco, Mel Gaynor entra a la batería en reemplazo de Kenny Hyslop, quien se va a formar una banda disco escocesa llamada Set The Tone y de ahí se va a tocar para Midge Ure.

Parecía que el grupo pasaba por un buen momento, Steve Lillywhite, en 1984, producía el disco Sparkle in the Rain, con otro gran cambio de dirección musical, el cual tenía buena acogida en el público con varios números uno como "Waterfront" y "Up On The Catwalk". La temática tecno original da paso a canciones-himno arropadas por un sonido mucho más grandilocuente y en ocasiones emocionante. Al mismo tiempo Jim Kerr, contraía matrimonio con Chrissie Hynde, vocalista del grupo The Pretenders. Posteriormente, ambos grupos hacían presentaciones en común.

En el año 1985, le llegó el éxito a Simple Minds con la canción "Don't You (Forget About Me)", que antes fue ofrecida a Bryan Ferry para interpretarla pero fue rechazada por éste. Accedió al gran público llegando al número 1 de Billboard en EE. UU. y teniendo un espectacular éxito en el Reino Unido, donde permaneció en los charts por 3 años(1985-1987), siendo el single de mayor permanencia en la historia de la música británica. Se convirtió en banda sonora de la película "The Breakfast Club" y en un himno para el grupo.

El 13 de julio de 1985, la banda participaba en el multitudinario concierto de Live Aid, ante 2.000 millones de espectadores en más de 60 países. Ellos lo hicieron en Filadelfia, en el JFK Stadium. Tocaron "Don´t You Forget About Me" y otra canción aún desconocida llamada "Ghostdancing". Más tarde, en ese mismo año, apareció el disco Once upon a time, quizá su trabajo más comercial, que llegó al número 1 en el Reino Unido y entre los 10 más vendidos en EE. UU. Producido por Jimmy Iovine y Bob Clearmountain. 4 éxitos mundiales como "Alive & Kicking", "Sanctify Yourself", "Ghostdancing" y "All The Things She Said" terminaron por consolidarles en lo más alto del panorama musical.

Live In The City Of Light fue un disco en directo, editado en 1987, en donde se plasmaba la extensa gira del grupo por aquel entonces, grabado durante la actuación de 2 noches en París en 1986. El disco tuvo un gran éxito comercial pero no fue capaz de demostrar el gran directo de la banda. Tras la extenuante gira, el grupo decide tomarse un descanso. Después de 10 años sin pausa se necesitaba buscar un poco de calma. La banda estaba colocada entre las más grandes pero la presión llegó a ser terrible por lo que no tuvieron más remedio que parar antes de que el éxito les desbordara y sobrepasara. Durante estos años, Simple Minds fue un gran colaborador y divulgador de Amnistía Internacional.

En el año 1989 sacaron el disco Streets Fighting Years, producido por Trevor Horn y Stephen Lipson. Era un álbum comprometido políticamente y los Simple Minds militaron en causas humanitarias como la liberación del líder sudafricano Nelson Mandela, a quien le dedicaron el himno "Mandela Day", además el álbum fue dedicado al canta autor chileno Victor Jara. El álbum alcanzó el número 1 en las listas del Reino Unido, al igual que su primer single "Belfast Child". Para componerla se utilizó como base una melodía tradicional celta. Eran momentos de graves incidentes en Irlanda y Jim Kerr escribió una nueva letra. En 1995 en un programa de televisión francés llamado Taratata, Simple Minds junto con el músico bretón Alan Stivell, tocó la versión original del tema, llamado "She Moves Through The Fair".

En 1991 el disco Real Life significará otro punto de inflexión en la carrera del grupo. Repite Stephen Lipson como productor y aunque contenía alguna canción excepcional, como See The Lights, había muchos síntomas de decadencia como fue la baja definitiva de Mick Macneil. Con esta ausencia se perdía un pieza fundamental en el proceso de crear canciones.

En 1992 se sacó a la venta un recopilatorio llamado Glittering Prize 81/92 que logró récords de ventas en varios países del mundo. El grupo termina por desintegrarse, pero en 1995, Simple Minds, regresará a la música gracias al vocalista Jim Kerr y al guitarrista Charlie Burchill que se juntarán de nuevo para recorrer un nuevo camino. Será con el disco Good News The Next World. Un disco pop arreglado y perfeccionista, producido por Keith Forsey y por el propio grupo, que tuvo buenas críticas y un aceptable número de ventas por Europa, con canciones como "She's A River" e "Hypnotised".